시사 심화영어1(신정현) 본문TEXT 1과

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The Art Museum for Getting Together

When was the last time you went to an art gallery or an art museum? Here are some of the answers posted on an art website:

- I haven’t been to one for years. My dad used to take me to one when I was little.

- Long ago, when I was a kid. It was our school trip.

- I often go to a gallery near my office during lunch break mainly to relax. The only problem is the noisy kids.

These responses show that we typically treat art museums as a place of education for people of all ages, especially children. Some of the most familiar scenes at an art gallery are lectures conducted by docents. Docents standing before a work of art may ask the children to describe its images or to compare and contrast different images. Because art museums are treated like schools by people, museum staff act like they have a special responsibility to educate the public. They are also strict about rules of conduct by prohibiting running or eating in the gallery.

함께하는 미술관

여러분이 마지막으로 화랑이나 미술관에 간 것은 언제였 는가? 여기 한 미술 웹사이트에 게시된 몇 개의 대답들이 있다.

- 몇 년 동안 가본 적이 없어요. 제가 어렸을 때 아빠가 데 려가시곤 했어요.

- 아주 오래전, 제가 어릴 때. 현장 학습으로요.

- 주로 휴식을 위해 점심시간에 사무실 주변에 있는 화랑에 자주 가요. 단 한가지 문제는 시끄러운 아이들이지요.

이러한 응답들은 우리가 일반적으로 미술관을 모든 연령 의 사람들, 특히 아이들을 위한 교육의 장소로 여기고 있음 을 보여준다. 미술관에서 가장 익숙한 장면 중 몇몇은 도슨 트가 하는 강의이다. 예술 작품 앞에 서 있는 도슨트들은 아이들에게 작품의 이미지를 묘사하거나 다양한 이미지들 을 비교 및 대조해 보라고 할 것이다. 미술관이 사람들에게 학교처럼 여겨지기 때문에, 미술관 직원들은 대중들을 교 육할 특별한 책임을 가지고 있는 것처럼 행동한다. 그들은 또한 미술관에서 뛰거나 먹는 것을 금지함으로써 행동 규 칙들을 엄격하게 적용한다.

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In the winter months of 2003 came Olafur Eliasson’s Weather Project to Tate Modern, London. As a way to participate in the exhibition, visitors of all ages lay on the floor in the museum’s massive Turbine Hall, waving their arms and legs. They occasionally assembled themselves into patterns of abstract symbols or spelled out different words. Others started to dance. The ceiling of the hall was covered with mirrored panels, in which visitors could see themselves bathed in a soft red light. The light was radiating from a giant yellow disk suspended from a height of twenty-seven meters. The disk had a semicircular steel frame with more than two hundred light bulbs. When reflected in the ceiling panels, this frame appeared round. In addition, an artificial mist pumped in from sixteen humidifiers gave the light the effect of a dark winter sun covered in fog. During the six months in which it was open, the exhibition attracted two million visitors.

2003 년 겨울철에, 런던에 있는 Tate Modern 에서 Olafur Eliasson의 Weather Project가 열렸다. 전시회에 참여하는 방식의 하나로, 모든 연령층의 관람객은 팔과 다 리를 흔들면서 미술관의 거대한 Turbine Hall의 바닥에 누 워 있었다. 그들은 이따금 모여서 추상적인 상징의 모양을 만들거나 다양한 단어들을 만들었다. 다른 사람들은 춤을 추기 시작했다. 홀의 천장은 거울로 된 판으로 덮여 있었는 데, 그 거울에서 관람객들은 자신들이 부드러운 붉은빛으 로 휩싸여 있는 것을 볼 수 있었다. 그 빛은 27미터 높이에 매달려 있는 거대한 노란 원반으로부터 발산되고 있었다. 그 원반에는 200개 이상의 백열전구로 이루어진 반원형의 강철 틀이 있었다. 천장의 판에 반사될 때, 이 틀은 둥글게 보였다. 게다가, 16개의 가습기로부터 뿜어져 나오는 인공 물안개는 그 빛에 안개로 뒤덮인 어두운 겨울 태양의 효과 를 주었다. 전시가 열린 6개월 동안, 전시회는 2백만 명의 관람객을 끌어모았다.

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Eliasson’s installations frequently use basic materials such as light, wind, and heat that impress upon viewers images of Iceland’s mysterious landscape, where the artist grew up. When produced on a large scale, these materials can awaken in visitors a new sense of space—space that conveys powerful sensations, from joy to passion to wonder. Another impressive feature of the exhibition is that people who visit it want to share this magical experience with their friends or even with strangers since Eliasson’s space encourages you to be part of a community bonded in emotions. For Eliasson’s art, the art museum is a playground where people come together to share and express these feelings. At a time when people are becoming increasingly self-centered, bound up in a world of private concerns and interests, his art helps us imagine a space of togetherness and open interaction.

Eliasson의 설치 미술은 관람객들에게 작가가 자랐던 아 이슬란드의 신비한 풍경을 떠올리게 하는 빛, 바람, 그리고 열과 같은 기본적인 소재들을 자주 사용한다. 대규모로 만 들어질 때, 이러한 소재들은 관람객들에게 기쁨과 열정 그 리고 경이로움과 같은 강렬한 감정을 전달하는 공간에 대 한 새로운 감각을 불러일으킨다. 전시의 또 다른 인상적인 특징은 거기에 방문한 사람들이 본인들의 친구나 심지어 다른 사람들과도 이러한 신비로운 경험을 공유하고 싶어 한다는 것인데, 이는 Eliasson의 공간이 여러분을 감정으 로 유대감이 형성된 공동체의 일부가 되도록 북돋우기 때 문이다. Eliasson의 예술에서, 미술관은 사람들이 이러한 감정들을 공유하고 표현하기 위해서 함께 모이는 놀이 공 간이다. 사람들이 개인 관심사와 이익에만 몰두하면서 계 속 자기중심적으로 되어가는 때에, 그의 예술은 유대감과 열린 상호 교류의 공간을 상상하게 해 준다.

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Another contemporary artist, Rirkrit Tiravanija, has a more direct, down-to-earth approach to prove how art can help people get together. In June 2015 in Basel, Tiravanija created an installation entitled Do We Dream Under the Same Sky. Designed as a visually impressive large-scale steel and bamboo structure, the installation aimed at bringing people together to form a community of sharing and giving.

The important ingredient in forming this instant community is Tiravanija’s “kitchen art”, which consists of cooking and serving food. Back in 1992, he became famous when he created an installation performance in which he transformed a New York art gallery into a kitchen with a refrigerator, hot plates, tables, and stools. He then cooked Thai curry, which anyone could drop in and eat. It was thrilling to be this casual in a gallery, as visitors shifted from passive viewing to active participation. Since then, Tiravanija’s cooking-as-art installation has been expanding, challenging boundaries between art and life, museum and society.

다른 현대미술가인 Rirkrit Tiravanija는 예술이 어떻게 사람들을 모이게 도울 수 있는지를 증명하는 좀 더 직접적 이고 실제적인 접근법을 가지고 있다. 2015년 6월 바젤에 서, Tiravanija는 Do We Dream Under the Same Sky라 는 제목의 설치물을 만들었다. 그 설치물은 시각적으로 인 상적인 큰 규모의 강철과 대나무 구조물로 설계되었고, 나 눔과 베풂의 공동체를 형성하기 위해 사람들을 모으는 것 이 목적이었다.

이 즉석 공동체를 만드는 데 중요한 구성 요소는 Tiravanija 의 ‘부엌 예술’인데, 그것은 요리와 음식을 제공하는 것으 로 이루어져 있다. 그는 예전 1992년에, 한 뉴욕 미술관을 냉장고, 요리용 열판, 식탁, 의자가 있는 주방으로 바꾼 설 치 공연을 만들어 유명해졌다. 그는 그러고 나서 태국식 카 레를 만들었는데, 그것은 누구나 들러서 먹을 수 있었다. 미술관 안에서 이렇게 격식을 차리지 않는 것은 아주 신이 나는 일이었는데, 관람객들이 수동적인 관람에서 능동적인 참여로 전환했기 때문이다. 그 이후로, Tiravanija의 예술 로서의 요리 설치물은 예술과 삶, 박물관과 사회의 경계에 도전하면서 확장되고 있다.

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In Do We Dream Under the Same Sky, visitors could participate in several activities, including drinking herbal tea and dining. They could even be more active in the show by running their own kitchens and coming up with unique ideas to serve guests. The performance of cooking and serving food was designed to create a connection between individuals, who usually remain separated and solitary in a traditional gallery setting. Like Eliasson, Tiravanija also believes that art should be an event of communal involvement. To serve this purpose, the art museum had to break away from strict rules and regulations.

The idea of liberating art museums had another breakthrough when two American artists, Harrell Fletcher and Miranda July, created an online project entitled Learning to Love You More (LTLYM). Over a span of ten years, the two artists posted on the project’s website seventy assignments, which were as simple as taking a photograph of one’s parents kissing. People from all over the world sent in responses detailing their lives. One assignment was giving advice to yourself about a past event. It produced responses from the ridiculous, such as “Don’t scribble the word idiot on your sister’s forehead in permanent marker,” to the tragic “Don’t tell your father that you hate him before he goes to Iraq. When he doesn’t come back, you will be sorry for the rest of your life.”

Do We Dream Under the Same Sky에서 관람객들은 허브차를 마시고 식사를 하는 것을 포함하여 여러 가지 활 동에 참여할 수 있었다. 그들은 자신의 부엌을 운영하고 손 님을 대접하기 위한 독창적인 아이디어를 떠올리면서 그 공연에서 더욱 적극적일 수 있었다. 요리하고 음식을 대접 하는 그 공연은 개인들을 연결하기 위해 설계되었는데, 그 들은 전통적인 미술관 환경에서는 대개 고립되고 홀로 있 다. Eliasson처럼, Tiravanija 역시 예술은 공동체가 참여 하는 행사가 되어야 한다고 믿는다. 이 목적을 이루기 위 해, 미술관은 엄격한 규칙과 규제에서 탈피해야만 했다.

미술관을 자유롭게 만들자는 생각은 Harrell Fletcher와 Miranda July라는 두 미국인 예술가가 Learning to Love You More (LTLYM)라는 제목의 온라인 프로젝트를 통해 또 다른 돌파구를 마련했다. 10년 이상의 기간 동안, 두 예 술가는 프로젝트 웹사이트에 70개의 과제를 게시했는데, 그 과제는 부모님의 키스 사진 찍기와 같이 단순한 것이었 다. 전 세계의 사람들이 자신들의 삶을 자세히 설명하는 답 변을 보냈다. 한 과제는 자신에게 지난 일에 대해 충고하는 것이었다. 그것은 “지워지지 않는 펜으로 여동생의 이마에 멍청이라고 낙서하지 마라”와 같은 웃기는 답변에서부터, “ 아빠가 이라크(전)에 가시기 전에 네가 그를 미워한다는 말 을 하지 마라. 그가 돌아오지 못할 때, 너는 너의 남은 평생 동안 후회할 것이다”라는 매우 슬픈 답변까지 만들어 냈다.

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The project eventually became a virtual art gallery made up of more than 8,000 contributions of unique images and experiences from across the world. Those who were involved in this project had the unique privilege of witnessing a new gallery growing over the years. It was like a tree, branching out to different parts of the world and linking people everywhere into a global community. In a space no longer bound up in physical limitations, they had unforgettable experiences imagining and sharing intimate moments from their lives.

These artists have proved that the value of a work of art depends greatly on the way it interacts with people. Their creative experiments highlight the need to communicate about and share together works of art. When art breaks free of the white walls of the traditional gallery, it is no longer boring. Kids are running through the different gallery rooms because they are excited about art.

그 프로젝트는 결국 전 세계에서 온 8,000개 이상의 독 특한 이미지와 경험의 기여로 구성된 가상 미술관이 되었 다. 이 프로젝트에 관련된 사람들은 수년에 걸쳐 성장한 새 로운 미술관을 눈앞에서 보는 특혜를 누렸다. 그것은 세계 각지로 뻗어 나가서 곳곳에 있는 사람들을 지구 공동체로 연결하는 나무 같았다. 더 이상 물리적인 한계에 묶여 있지 않은 공간에서 그들은 자신의 삶에서 사적인 순간들을 상 상하고 공유하는 잊을 수 없는 경험을 했다.

이 예술가들은 예술 작품의 가치가 사람들과 상호 작용 하는 방식에 크게 의존한다는 것을 입증했다. 그들의 창조 적인 실험은 예술 작품에 대해 의견을 주고받고, 작품을 공 유해야 할 필요성을 강조한다. 예술이 전통적인 미술관의 흰 벽에서 벗어날 때 그것은 더 이상 지루하지 않다. 아이 들은 미술에 흥미를 느끼기 때문에 여러 전시실을 뛰어다 니고 있다.